Пикассо Пабло (1881 - 1973) (кубизм)

Пабло Пикассо
Пабло Пикассо

Пабло Пикассо (Пабло Руис-и-Пикассо) - знаменитый испанский художник, вместе с Ж.Браком является основателем течения "кубизм" в живописи. Пикассо - один из тех художников, которые наиболее ярко выразили общую эволюцию искусства XX века. Художник огромного дарования и неустанного творческого труда, проживший долгую жизнь, Пабло Пикассо, как всякий новатор, вызывал различное к себе отношение и разные оценки, от признания его гением до полного отрицания его творчества. Сам художник когда-то говорил о себе:" Я не совсем понимаю, почему, когда говорят о современной живописи, так подчеркивают слово "искание". На мой взгляд, в живописи искания не имеют никакого значения. Важны только находки...Когда я пишу, я хочу показать то, что я нашел, а не то, что я ищу..." И далее:"Все, что я делал, я делал для современности в надежде, что это всегда будет современно". Пикассо - истинный вдохновитель почти всех художественных направлений двадцатого столетия.

Он родился в маленьком испанском городке Малага в семье художника и учителя рисования, ставшего и его первым учителем. Учился Пикассо сначала немного в Испании, а затем уже во Франции. И уже с 1901 года, с первой персональной выставки, становится центральной фигурой в западном художественном мире.

С 1901 года по 1907 годы творчество Пикассо разделяется на два периода: "голубой" (с 1901 по 1904) и "розовый" (с 1904 по 1907). Картины, посвященные нищим, странствующим актерам, бродягам - людям обездоленным, выражают настроение усталости и обреченности. Они написаны в холодной, сине-зеленой гамме, напоминающей Эль-Греко; рисунок острый, контуры изломаны, тела нарочито удлинены ( "Свидание" 1902). С 1905, хотя темы и остаются прежними (все те же странствующие бродяги, циркачи), колорит становится прозрачнее, пространство заполняется розовато-голубоватой или золотистой дымкой, контуры рисунка делаются мягче, общее настроение - лиричнее. В "Девочке на шаре"(1905) различие, даже противоположность и вместе с тем взаимосвязь двух образов достигается контрастным сопоставлением двух разных силуэтов (легкость и хрупкость девочки и тяжеловесность мужчины).

Полотном "Авиньонские девушки" (1907) Пикассо, как уже было сказано, отметил рождение кубизма. Период этот длился до 20-х годов. В картине "Три женщины у источника" (1921) он вновь обращается к реалистическим формам. С нее начинается новый период в его творчестве, так называемый неоклассицизм. Но между ними не было резкого разрыва, как кажется сначала. "Я не всегда работаю с натуры, но всегда в соответствии с натурой", - говорил некогда художник. И как в кубистический период он не отрывался окончательно от предметной формы и не уходил в абстракцию, так и в свой классицистический период он сделал дальнейший шаг на пути разрешения пластических проблем. "Мать и дитя"(1922), портрет сына Поля (1923) являются характерными произведениями того времени.

Неоклассицизм Пикассо 20-х годов при всей его стилизованности и холодной отчужденности от современной жизни свидетельствует о том, что даже и в таком оплоте "левого искусства", каким была Франция, художники вновь обращаются к красоте человеческого тела, не изуродованной деформацией. Конец 20-х - начало 30-х годов для Пикассо - период самых разнообразных художественных находок, среди которых образы спокойные, классически-ясные, встречающиеся чаще всего в графике (иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия, 1931; к "Лисистрате" Аристофана, 1934), кажутся несовместимыми с нарочитой гармонией его живописных портретов, натюрмортов, почти абстрактных декоративных полотен ("Танец", 1925; "Фигуры в красном кресле", 1932).

Пикассо отдал дань и сюрреализму, создав ряд произведений, основанных на чудовищной деформации, искажении реального образа человека, на усилении резких цветовых контрастов, как, например, в его "Плачущей женщине" (1937).

Пикассо жил в Париже и уже пользовался европейской известностью, когда его личная судьба слилась с судьбой его родины - Испании. 26 апреля 1937 года маленький испанский городок Герника был сравнен с землей фашистской бомбардировкой, и несколько тысяч людей были погребены под его развалинами. Событие это потрясло Пикассо. По заказу почетного директора Прадо - главного музея Испании, он создал роспись для испанского павильона международной выставки в Париже, назвав ее "Герника". Это панно стало главным событием международной выставки. Громадная композиция (28кв.м.), написанная в течение нескольких недель в творческом порыве, связала искусство Пикассо с жизнью всех народов, сражающихся с фашизмом против будущих "Герник". Вторая мировая война еще усилила значение этого полотна, звучащего и воспринимающегося как пророчество. Выдержанное в основном в белых, черных и серых тонах, полотно по своей выразительности превосходит иную многокрасочную картину. И деформация, к которой прибег Пикассо, имела глубокое обоснование. В какой иллюзорной живописи можно было выразить этот ужас, безумие, отчаяние, трагедию падающего в небытие мира? Конечно, в "Гернике" нет ничего от конкретного города басков, нет ни самолетов, ни убийц. В ночи среди черепов и костей , символов смерти, погибают люди, в предсмертных судорогах корчатся кони. Расширенные глаза лиц-масок не видят цвета в многообразии предметов - только мертвенный свет, только искореженные обломки. Таким, представлялось художнику, должны были видеть этот мир погибающие под обломками люди. Трагическая античная маска со светильником, врывающаяся в этот хаос, кричащая от боли и ужаса, не случайно воспринимается как символ музы художника. И все освещено разорванным на плоскости светом, напоминающим зловещий луч прожектора концлагеря. Этими средствами художник сумел выразить всю суть фашизма, передать ощущение хаоса разрушения, крушения мира. Общественный резонанс произведения Пикассо был огромен. Испанцы плакали на выставке, стоя перед "Герникой". Пикассо выступил здесь как художник-борец, яростный обличитель фашизма. Его гражданская позиция абсолютно ясна. Что же касается системы выразительно-изобразительных средств, то она не укладывается в рамки реалистического направления.

Годы войны и оккупации Пикассо прожил в Париже, отказавшись эмигрировать в Америку, ибо считал Францию своей второй родиной. Он помогал участникам движения Сопротивления. В произведениях 40-х годов выразилось трагическое неприятие художником существующего мира. Образы этих лет страшны и жестоки. В гримасах боли и отчаяния представлены человеческие лица. Страшный черный кот держит в зубах еще живую птицу с оторванным крылом - таковы темы его произведений. Мир изломанный, зловещий, глубоко трагический.

Уже в 50-е годы, обращаясь к теме войны в Корее ("Резня в Корее", 1951), художник прибегает к той же символике и аллегориям, что и в "Гернике". Он не изображает солдат в американских мундирах - лишь пейзаж, на фоне которого представлены беззащитные деформированные фигуры казнимых и механизированные чудовища-каратели. Тем не менее итальянское правительство запретило демонстрацию картины в Риме. В произведении "Война" (которое, как и панно "Мир", художник делает для Храма Мира в Валлорисе; 1952) Пикассо также не изобразил ни пушек, ни танков, ни трупов. Войну здесь символизирует рогатое чудовище с окровавленным мечом в руке, несущее сосуд с бациллами, сетку, наполненную черепами. Его сопровождают пляшущие призраки. Адские кони в бешенстве топчут открытую и сжигаемую на костре книгу. Апокалиптическим чудовищам преграждает путь фигура Мира со щитом, на котором изображен голубь. Таков язык Пикассо.

В 50-е - 70-е годы Пикассо работает в разных видах искусства и в разных жанрах, в самых различных техниках: картины, скульптуры, монументальные росписи, керамика, рисунки, иллюстрации, литографии, офорты, - трудно назвать область, в которой он не проявил бы себя за последнее двадцатилетие его долгой, творческой жизни. И везде Пикассо выступал экспериментатором, находил свое ярко индивидуальное образное решение, вызванное его уникальной способностью к постоянному самообновлению. Он откликался на все актуальные события времени. Страстный защитник мира, он создал своего знаменитого "Голубя мира" (1949), которого узнала и полюбила вся планета и который стал символом борьбы человечества с войной. Как участник Международного движения в защиту мира, он делает литографические эстампы плакатного характера на самые волнующие темы современности.

До конца жизни Пикассо был полон жажды открытия новых ценностей, новых возможностей искусства. Его творчество доказало, что он не исчерпал себя за весь свой долголетний творческий путь.


Авиньонские девушки (1907)
Авиньонские девушки (1907)
Танец (1925)
Танец (1925)
Акробат (1930)
Акробат (1930)
Алжирские женщины
Алжирские женщины
Арлекин и его подружка
Арлекин и его подружка
Герника (1937)
Герника (1937)
Голова женщины
Голова женщины
Голова лошади
Голова лошади
Голубь и горох
Голубь и горох
Девочка на шаре
Девочка на шаре
Женщина с веером
Женщина с веером
Кирпичный завод в Тортосе
Кирпичный завод в Тортосе
Лежащая обнаженная (1932)
Лежащая обнаженная (1932)
Любитель абсента
Любитель абсента
Любительница абсента
Любительница абсента
Любовники
Любовники
Мальчик с конем
Мальчик с конем
Мать и дитя (1922)
Мать и дитя (1922)
Мечты(фигура в красном кресле) 1932
Мечты (фигура в красном кресле) 1932
Панно "Мир" (1952)
Панно "Мир" (1952)
Панно "Война"
Панно "Война"
Ночная рыбалка на Антибах (1939)
Ночная рыбалка на Антибах (1939)
Обнаженная, зеленые листья и бюст
Обнаженная, зеленые листья и бюст
Плачущая женщина (1937)
Плачущая женщина (1937)
Портрет (1939)
Портрет (1939)
Портрет сына Поля (1927)
Портрет сына Поля (1927)
Поцелуй
Поцелуй
Резня в Корее (1951)
Резня в Корее (1951)
Свидание (1900)
Свидание (1900)
Склонившийся Арлекин (1904)
Склонившийся Арлекин (1904)
Скрипка и виноград
Скрипка и виноград
Спасение (1932)
Спасение (1932)
Спящая молодая женщина
Спящая молодая женщина
Спящая на фоне жалюзи (1936)
Спящая на фоне жалюзи (1936)
Суп (1902)
Суп (1902)
Три женщины у источника (1921)
Три женщины у источника (1921)
Акробаты (мать и сын)
Акробаты (мать и сын)
Голубь мира
Голубь мира
Фигура на пляже (1931)
Фигура на пляже (1931)